Delgift - Live At Home 2014 (English version)

One of the things that must be stood out from putting up a show at my house's backyard is that it turned out being the solution to the stressful matters that come with the renting of a venue miles away from one's own place, transporting the equipment via a special service and cope with the venue's limitations by contract. I perfectly understand the terms of such a contract before signing. That was the case of the previous Delgift concerts (2012-2013). But this abstract being has an alternative…

Some of you know that the 2013 concert had several complications, which fortunately didn't impact people's opinion about the performance, though us, organizers of the event, were left with a bitter-sweet taste in our mouths. The band couldn't finish relaxing so to enjoy themselves while doing what they like the most. Well, Live At Home brought us a different feeling, not only during the actual performance but also during the whole day and everything that goes with such an occasion.

With B.I.O.S., I needed one more rehearsal of the Dream Theater and John Petrucci songs we were supposed to play together: "Six Degrees"/"Glasgow Kiss"/"Surrounded". Hours before the sound men rang the bell, Agustín Pullol (guitar), Agustín Espíndola (bass), Rodrigo Graña (drums) and I did the much needed checking of those pieces that had been chosen. It gave us a lot of confidence for the performance that was due. Not only had I that chance to rehearse but also to make a revision of the last song, "Würm"/"Apocalypse" (Yes) with July Valls and Marian (aka: ONE), and "Play The Game" and "Coil" (Queen/Opeth) with Marina Cifrodelli on vocals.

Apart from the exclusively music-related matters, there was another thing to pay heed to: the building-up of the stage. We all collaborated in that task, each by making one's own equipment ready, all well distributed far at the back of the yard, were the stage was being built up. We could have a proper sound-check once the sound men finished connecting every speaker and monitor to the mixer. Several minutes after it, the first members of the audience began to arrive. Middle, the opening band, started playing probably twenty minutes after the originally stipulated time: 9 PM. Their five numbers were more than well-received by the audience; a sound true to the one from the Seventies in Rock music.

Differently from 2013, this time Delgift wasn't forced to omit any song from the set list. The lack of time limit allowed for a complete show, as planned. The set consisted of…

With B.I.O.S:

01 Six Degrees (Overture)/Glasgow Kiss/Surrounded (Dream Theater/John Petrucci)

With Delgift (Nico Roldán, Nacho Gulich, ONE & C):

02 To Think, To Say, To Do (C)
03 Future’s Mystery (C)
04 Blind Judgment, Blindfolded Eyes/Cosmic Suspension (C)
05 Don’t Stand So Close To Me (The Police)
06 Universal Symphony (transition) - ONE

Acoustic set:

07 Caras Galadhon/… Of Memories (C)
08 Play The Game (Queen) - with Marina on lead vocals
09 Coil (Opeth) - also with Marina on vocals; Nacho on bass
10 Show Me (Yes) - Nico (soft percussion), Nacho (bass), July (electric guitar) and C (acoustic guitar and vocals)

Ending:

Würm/Apocalypse (Yes) - Delgift + July

Encore:

Play The Game (reprise)

Once we let go of our instruments, a monetary collaboration was asked from the audience in order to afford the renting of sound equipment and lights. The most important thing is that each note which was put into the guitar case that was moved around was accompanied by a positive comment about was had just happened. Neighbours, friends who had been elementary and highschool partners, virtual Facebook friends, performer's friends and family… people that, mostly unknown to each other, were congregated in a garden, satisfied with what had been prepared and presently shown. What's left from a gig is actually that, the impact that the performance can have, mainly in the listener. So a big "thank you" goes to everyone who attended the show and made it come true, each in their own way.

That's a summary of Live At Home 2014. I gladly write this as there wasn't any moment throughout that whole day in which I didn't get enjoyment from the experience. Again, thanks to all of you who took part in.

Delgift - Live At Home 2014 (versión en español)

Una de las cosas que destaco del haber vuelto a organizar una fecha en el patio trasero de mi casa es que resultó ser la solución a los problemas estresantes que implica el alquilar una sala de teatro lejos de casa, transportar el equipamiento en un flete de ida y vuelta y lidiar con muchas de las limitaciones que, por contrato, quien alquila impone. Comprendo a la perfección los términos impuestos antes de firmar y terminar de pagar el lugar elegido. Así fueron las fechas previas de Delgift. Pero en el caso de este ser abstracto existe una alternativa...

Algunos saben que el show dado en 2013 tuvo bastantes complicaciones, que por suerte no hicieron mella en la opinión de la audiencia al final del show (aunque sí en el gusto que nos quedó a los que organizamos: agridulce). Es verdad que los músicos no pudieron terminar de relajarse como para que ellos mismos pudiesen disfrutar de lo que más les gusta hacer. Bueno, Live At Home trajo otra sensación durante la jornada completa, no solo durante el tiempo dedicado a la performance.

Con B.I.O.S. necesitaba hacer un ensayo más de las canciones de Dream Theater y John Petrucci que se habían elegido,"Six Degrees"/"Glasgow Kiss"/"Surrounded". Horas antes de que la gente del sonido tocase el timbre Agustin Pullol (guitarra), Agustín Espíndola (bajo), Rodrigo Graña (batería) y yo hicimos el necesario repaso de estas piezas, lo que nos diera mucha tranquilidad para cuando llegase el momento de hacer nuestra presentación. No solo hubo tiempo para ello sino también para que July Valls (guitarra), Marian (teclado) y yo pudiésemos definir el armado de la versión que se preparó de "Würm", Parte C de "Starship Trooper" de Yes, con el gran final de "And You And I" ("Apocalypse", Parte D de esta otra gran obra del británico quinteto sinfónico) agregado para el cierre definitivo (exceptuando el bis que el show tuvo). Y con Marina Cifrodelli, invitada especial en voz, pude hacer un repaso de los temas acústicos que habíamos acordado mientras se terminaban de hacer todas las conexiones eléctricas necesarias.

Además de los asuntos exclusivamente musicales, sin grandes apuros nos hicimos el suficiente tiempo como para armar lo que pasó a ser el escenario. Entre todos colaboramos, dejando cada uno su equipamiento listo para cuando llegase el momento de la prueba de sonido. Pasados largos minutos desde su conclusión, los primeros espectadores empezaron a llegar. Middle, banda soporte, habrá comenzado su función veinte minutos después del tiempo de comienzo de espectáculo estipulado originalmente (21:00 hs.). Sus cinco números fueron más que bienvenidos por el público; un Rock fiel a como los rockeros de los Setenta solían componer y ejecutar sus instrumentos.

A diferencia de 2013, esta vez Delgift pudo cumplir completamente con el repertorio planeado, sin tener que sacrificar ninguna pieza debido a límite de tiempo alguno. El set consistió en...

Con B.I.O.S:

01 Six Degrees (Overture)/Glasgow Kiss/Surrounded (Dream Theater/JohnPetrucci)

Con Delgift (Nico Roldán, Nacho Gulich, ONE & C):

02 To Think, To Say, To Do (C)
03 Future’s Mystery (C)
04 Blind Judgment, Blindfolded Eyes/Cosmic Suspension (C)
05 Don’t Stand So Close To Me (The Police)
06 Universal Symphony (transition) - ONE

Set acústico:

07 Caras Galadhon/… Of Memories (C)
08 Play The Game (Queen) - con Marina Cifrodelli en voz principal
09 Coil (Opeth) - también con Marina en voz; Nacho en bajo
10 Show Me (Yes) - Nico (percusión), Nacho (bajo), July (guitarra eléctrica) y C (guitarra acústica y voz)

Cierre:

Würm/Apocalypse (Yes) - Delgift + July

Bis:

Play The Game (repetición)

Una vez liberados de nuestros instrumentos se pasó “la gorra” (“funda de guitarra”, para ser más precisos), pidiendo una colaboración para poder cubrir los gastos de alquiler de sonido y luz. Lo más importante es que cada billete dejado iba acompañado de un comentario de felicitación. Vecinos, amigos, ex-compañeros de la primaria y secundaria, amigos virtuales de Facebook, amigos y familiares de los músicos... personas que, muchas de ellas entre sí, no se conocen, congregadas en un jardín, satisfechas con lo preparado y presentado. Lo que queda al final de una presentación en vivo es eso, el impacto que haya provocado, ya sea en los músicos como en la audiencia (principalmente en estos últimos). Así que se le agradece enormemente a todos los que se hicieron presentes e hicieron realidad esta fecha, cada uno a su manera.

Ahí fue un resumen de Live At Home 2014. Me alegra escribir esto ya que no encuentro momento alguno en el que no haya disfrutado de la jornada. Nuevamente, gracias a todos los que formaron parte de esta nueva experiencia.

A musical odyssey

The early days:

Lenny came into this world in mid-2006. Even before the actual line-up, there were Emiliano, a drummer whom I used to make music with when I was an early teenager, and Hernán, a local bassist who was a member of Desamparados ("Homeless" in Spanish), a Rock & Blues band from Tigre. This trio was more of an idea than a real band. We didn’t go further than four or five rehearsals with Emiliano, who left pretty soon as his real band was his priority. Even with Desamparados as his priority, Hernán didn’t quit the idea of taking part in this trio I had in mind.

Soon enough, I was asked to occupy the guitarist’s role in Desamparados. Lucas, the guitarist I was supposed to replace, was quitting. (Desamparados always had two guitars, though both shared the job equally. It isn’t that one was lead and the other rhythm.) I accepted the invitation, and even before becoming an official member of this band, I’d agreed on playing some keyboards on one or two of their songs for an upcoming gig. During the rest of that night’s set, I played backing guitar except for “Mary Had A Little Lamb” (S.R.V.’s version), in which I was special guest on lead guitar.

The whole point is that a rehearsal at my house had been arranged for this show. However, I was taken by surprise when the band rang the bell that evening. I had completely forgotten about it! It was no big deal though; we ended up rehearsing anyway.

This was the day I met Lenny’s future drummer: Gogui. Maxi Larreta, a great drummer from our city (and drummer in my original song “Heaven”) had stopped playing in Desamparados too. He neither quit nor was kicked out. It’s just that he has never been an official member. He had been only helping the band until they could find another drummer. Gogui has been friends with Martín, Desamparados main rhythm guitar player, for several years. Back then, he was Maxi’s apprentice. Martín asked him to join the band. He got into it.

When the rehearsal came to an end and I was seeing the band to the door, Gogui started to ask me about my musical tastes and such. We had a short yet fulfilling conversation about it. Eventually, we grew fond of each other. Our good musical relationship made me want to invite him to play with Hernán and me on our side project. It became a promising trio. However, we couldn’t develop as much as I would’ve liked to, but it was enough for me to see that this long-time idea of mine had potential.

One of the songs Hernán, Gogui and I managed to play right was “Friends” by Joe Satriani. We only played live once as openers for Desamparados during a gig that took place at my backyard. I remember we played “D.O.A.” and “Learn To Fly” by Foo Fighters as well. But “Friends” remains in my mind the biggest achievement with these two guys.

The truth is that Desamparados wasn’t my kind of music, honestly. It wasn’t bad, mind you, but my musical direction had a different path to follow so I couldn’t go further than a couple of gigs. Gogui wasn’t very comfortable either. He also left at the same time I did. Hernán quit the band too, but he stopped playing with Gogui and me at the same rate. The inevitable dissolution of Desamparados happened to be, and Hernán felt sad and even angry with the whole situation, not strictly with the members of the group, totally or partially. At least I didn’t get that feeling.

Gogui and I agreed on keeping our project alive even though there was no need of seeing each other until finding a bassist. Four months had passed before he phoned me with the good news: he asked Nicolás Morales, a friend of his, if he wanted to play with us, who in his turn said yes.

When we finally met each other at Gogui’s house, I realized I already knew Nico from somewhere else. It was during private math lessons. Gogui and he needed them for things related to university, and I for high-school stuff.  And here we were, together again but under very different circumstances (and surely more welcomed ones).

Nico was a Police fan. That suited some of our musical ideas. “Message In A Bottle” was the first song the new trio ever played. “New World Man” by Rush (one of their most Police-like songs) used to be a frequent number during rehearsals when Hernán was bassist. We kept on playing it, now with Nico on the 4-string.

This line-up looked more official to me; more time together, more songs rehearsed. At some point we had quite a few numbers down so we put up another gig at home. It was on March 24^th, 2007, the same day The Who was supposed to play live in Buenos Aires for the first time in their career. Unfortunately, the South American shows had been cancelled with months of anticipation. The coolest thing though is that Lenny (we already had the name of the band figured out by then) played “The Seeker” that night (based on Rush’s version). The point is that after all, music by the British group made itself heard in Argentina that day. Besides “The Seeker,” Lenny played these other songs as well: “Purple Haze” and “Voodoo Child (Slight Return)” (The Jimi Hendrix Experience), “Message in A Bottle” and “Synchronicity II” (The Police), “New World Man” and “Closer To The Heart” (Rush), “Couldn’t Stand The Weather” (Stevie Ray Vaughan & Double Trouble), “Learn To Fly” (Foo Fighters), “Money" (Pink Floyd) and “Aeroplane” (RHCP). As you can see, all covers. Two originals made their way in later shows. One of them is nowadays pretty ruled out in my book, maybe with the exception of its guitar solo. But the other one works fine and it's ready for its official release.

Three or four shows were the only thing Lenny could do until calling it quits. Nico and Gogui were becoming increasingly busy with their university careers and jobs. I kept on playing music by and to myself, writing in the comfort of my bedroom. Some of the stuff that’s now available at my site is in fact music that was born during those days. It took years to finally be recorded. But time shouldn’t matter as long as things become real in the end.

Another chance to shine:

In 2010, we had another chance to play live. We took advantage of a Rock festival that the town hall organized. It was “The coming back of Lenny,” as it were. The most transcendental thing this time was, to me, Nico bringing up a Camel song: “Chord Change.” I only knew Camel by its name, never heard a song before. Nico searched it on You Tube the day we got together to talk about the upcoming gig. He wanted us to hear it and gave him our opinion. I immediately started playing my guitar on top of the recording, figuring out the single notes on the first part. “It sounds like a difficult song to play,” I said. But Nico said I was already nailing the notes and it was only on my first listen. So I gave myself time to learn it in its entirety during the following days.

Something kind of magical happened when I was in my bedroom sitting in front of the PC with the same You Tube window open on the next day: suddenly, I was inspired to extend the guitar solo by realizing it could be perfectly linked to “Aquatic Ambiance,” a David Wise composition he wrote for my favorite video game: Donkey Kong Country. This piece has marked my childhood. As a teenager, I stopped playing video games at all. For years, this tune had escaped me until one day my father, brother and I decided to have the Super Nintendo repaired. Next thing I know, my father got on the car and drove downtown to the service store, taking the Super NES with him. To his great surprise, the technician said the system was working perfectly and that there was nothing to repair. It was only rusty after all those years of not being used. Even all cartridges were in good conditions except for one: International Superstar Soccer, DELUXE!, another game I played tons of times when I was a kid. Pity, but both, DKC and DK2 (Diddy’s Kong Quest) were working fine and those were the most important to me.

     

By using the Super Nintendo again, I was able to learn “Aquatic Ambiance” on the guitar. My brother would select the first underwater stage on the island and go through all its difficulties, and I would listen carefully in order to figure out the tune’s main melody and bass notes.

Apart from the guitar solo, what follows in “Chord Change” is an organ break in F minor and Bb major. Now, if there’re two different kinds of solos and two different video games from the same saga my brother and I played over and over again at some point, DK2 OST (Original Soundtrack) mustn’t be left out of this musical/inner-child experience. “Forest Interlude,” the poignant main theme from the island’s haunted area, became the extension of the keys solo (Marian, my brother, was invited to play the keyboard in this number). This turned out to be my favorite part of the cover.

So all this made “Chord Change” the gem of the stuff we were going to play at the festival. We played it in every rehearsal prior to the final day. The other songs were “Sweet Miracle” (Rush), “Spirits In The Material World” (The Police), “All Along The Watchtower” (Bob Dylan, The Jimi Hendrix Experience version), “No Way Back” (Foo Fighters), “Couldn’t Stand The Weather” (Stevie Ray Vaughan & Double Trouble) and “Kashmir” (Led Zeppelin). The latter was only rehearsed one week before the day of the festival. I had the intention to make Marian play in not just one number. We opened with it on September 26^th, 2010 (Gogui’s twenty-fourth Birthday). Several local bands signed up in order to perform so there were only twenty minutes per band. After “Kashmir,” “Chord Change” followed (we had to make sure we were going to be able to include it!). Next came “All Along The Watchtower,” a very reliable and fulfilling song on many levels. That was the wrapping-up of our turn onstage.

And again, Lenny was put to rest for some time…

Present day:

The engine was restarted in late-2011 when Cristian Kukar, a drummer from my city, wanted to get together with me to jam and see how it went. I got to know him via Facebook through another drummer and Rush fan, Marcelo Camisay. I’d known this other guy because of his Blog dedicated to Rush: VT suena mal (Vapor Trails sounds bad). Please, don’t be fooled by its name. He loves that album, but he also has an acid sense of humor, and we all know many Rush fans aren’t happy with VT’s mix (it’s worth clarifying I’m not one of them).

Marcelo is from Boedo, one of the many neighborhoods downtown. So here’s a crazy thing the Internet allows: I finally got to meet a really good drummer who not only Rush is his favorite band but also likes bands such as Genesis and King Crimson (and lives just seven blocks away from home!!!) thanks to a stranger (almost) downtown, who I met face to face only once and had contact with via Blogger (nowadays via Facebook). What should it be made out of this?

Our first rehearsal together was as a guitar/drums duet. The first song we tried out was “Dreamline.” We were pretty amazed at one another and the way we pulled it off on that first run. It made me aware of how much Cristian was into Rush, especially Neil Peart. “Dreamline” is a song that I’d suggested to Nico and Gogui when Lenny was an actual band. They never felt O.K. with it for some reason, neither with “Omega Man” by The Police. These two songs waited a long time to make it to the stage (by Lenny obviously. “Dreamline” has been frequently played live by Rush ever since it was released as part of the Roll The Bones album, and “Omega Man” could’ve been performed somewhere by somebody else than the British trio between 2006/2012). With Cristian, it was easier to choose songs thanks to our mutual musical tastes. 

You know, this is nice and all, but a piece of the puzzle was still missing: the bassist. Now, you can have a show without keys and/or rhythm guitar if you strategically choose Power Trio songs. But in Rock and Popular music in general, drums and guitar alone can’t survive. The bass is what links both instruments as it works rhythmically with the drums and hits notes at the same time, which work hand in hand with what the guitar does. A keyboard player yielding synth bass notes with his/her left hand or feet (in the case of the latter, by triggering sounds with foot pedals) may do, yet an actual bass player is the real deal… and that was missing.

Gustavo Centurión is a very good, experienced bass player. He’s a member of Chop Suey, a band in which my father sang in the Nineties. He was the only one who commented on my Facebook Status addressed to any bass player in the Northern Area of Buenos Aires saying that I could count on him. We rehearsed “Dreamline,” “Omega Man” and “All Along The Watchtower” as a duo only once. I was eager to arrange a rehearsal with the three of us after having jammed with him. But as good a bassist as he is, it’s obvious that he’s on constant demand. He had too much projects on with other people already, and after a summer tour with Los Hermanos Butaca (The Butaca Bros.) he realized he wasn’t going to be able to join Cristian and me. This initiated a new search for the much needed bass player.

My phone number guide still had Gervasio’s number in it. He’s a guy I met twice in my life. Now for another crazy anecdote, though the Internet isn’t involved in its craziness…

In December of 2008, I went to Jardín Musical (Musical Garden), a CD/DVD store that has everything I’m interested in buying when it comes to music. If that desired product isn’t right at the store, the ones who run it ask for it from abroad. This time, I had to pick up an Eric Johnson album I’d ordered long ago: Ah Via Musicom. As I was wearing my Fly By Night T-shirt, the one that Carlos Prete painted for me in Villa Gesell (a coast town where tourists go to for holidays), this complete stranger approached me, pointed at Carlos’ drawing and said “Hey, go Rush!” That sparked a half-an-hour conversation that simply began with him introducing himself: “Hi, I’m Gervasio.” That name took me instantly back to San Isidro, around a decade ago when I was just a child…

Javier, my childhood friend and neighbor, had invited me to one of the McDonalds in San Isidro as it was the only one nearby with a ball pit so kids could have some fun besides eating their hamburgers (IMPORTANT: It’s been many years since I visited any McDonalds for the last time). His mother drove us to this place. During that night, another kid spent the whole time with Javier and me. He was called Gervasio, a very unusual name for sure. It was one of those typical moments when you become friends with strangers of your own age just for the moment. When I heard that name again at Jardín Musical and saw the guy straight in the face, I couldn’t believe it: it was the same person indeed, though much taller now. I didn’t say anything because it felt kind of strange, plus I would’ve found it hard to explain at that very moment (I guess that, in his turn, it would’ve been hard for Gervasio to understand). It was the wisest choice after all. It allowed us to focus on music right from the get-go, which was the whole point. For instance, he’d gone to the CD store in order to buy a copy of Foxtrot, that classic Genesis album.

Before saying goodbye he gave me his cellphone number and the name of his band: Girana Clown. I gladly accepted those contacts of his even though I wasn’t into playing live in those days.

Quite a long time had passed until I finally searched Girana Clown on You Tube. I was a bit confused when I read comments left on one of the videos and channel. They were encouraging and supportive towards the members of the band more than the band itself. After reading a bit more, I understood them: Santiago Urbani was their guitar player, a young boy from Tigre who was murdered. I was shocked, and all I could think about was the injustice and terrible sadness that’s attached to such a hard thing as that. I preferred to stay away from the band. It felt too sensitive, and I could notice such a strong bond between the members of GC (understandably so).

By this same time, my cyber activity saw its beginnings. (More on this is found in “Dreams…”, a post from the past available at this same Blog.)

Cristian and I were still in Limbo. We couldn’t move forward without a bass player. That’s how I fell for coming back to the general phone number guide at home to search Gervasio’s number again. Seconds after doing this, I encountered a major drawback: the number didn’t apply to a client in service anymore. The only way I could contact him was through Girana Clown. My Facebook account had been reactivated by then after six months of being put down because of me getting fed up on that social network. I browsed at their page (an alternative to Girana Clown’s You Tube channel) and read a lot about Santiago again, which made me stop in my tracks once more. I saw they were closer than ever, and once again that made me feel awkward. You know, to ask the band a contact of their bass man in order to invite him to play in something else that GC. “How would they take it?” was the burning question I was making to myself. But in the end, it proved to be silly because my plan wasn’t to form a band, let alone steal Girana Clown’s bassist. That’s what I eventually explained to Gervasio after he replied to my message, the one I sent to Girana Clown’s E-mail address, two weeks later.

The idea of this thing I was building up was to present music that was, in my opinion, worth it. I typed a possible set list and sent it to Gervasio. Eventually, most of those songs became a part of the final show. He was enthusiastic about it and showed commitment right from the beginning. He had his hand insured after a soccer match he’d had with his friends so he couldn’t rehearse the first time, but he wanted to be present at the rehearsal anyway to listen to the stuff Cristian and I had been working on. Fortunately, he liked everything, covers and originals alike, and was eager to start learning the songs as soon as his hand was back in shape.

Some stuff, as I said before, works well as a Power Trio, but other songs that were worth playing needed something else. That’s the case of “Cosmic Suspension,” one of my originals. This song incorporates keyboard sounds, and they’re far from being secondary. Marian was the one who tackled the keyboard part in the end. His input made the song sound different from the virtual collab version, in which I played keys myself, even though the structure didn’t change. Now it was improved and more adventurous.

It wasn’t in my plans to play something by Yes as I’ve never found a way to cover their complex music live properly. Gervasio was a bit insistent about adding a Yes song to our repertoire, though. I knew there was no chance, let alone if the idea was to play something by the classic line-up: Anderson, Squire, Howe, Wakeman & White, which was Gervasio’s mind in the first place. Well, I was wrong. Life showed me the way by randomly making me select (from a folder filled with more than a thousand songs) “Ritual” twice, not in a row but the first time during one night and the second right on the next. I grabbed my guitar and started to figure out its parts without even listening to the recording. I went for it with no boundaries at all. Here’s when I understood there wasn’t any need to strictly respect the structure of a Yes song in order to make your own version of it. This 21-minute+ epic has so much to it, one can learn many parts and put them together the way they think it’s better. The results were a 7-minute+ cover (the 40-second guitar intro wasn’t part of the virtual collaboration with Dave Becher, Ron Hall and Cees Van Ooijen, neither of the live version as the latter’s intro was treated with the keyboard’s Strings sound).

Regardless of having come up with this manageable version, more viable and rewarding, I kept on believing Lenny wasn’t going to make it work. Gervasio suggested that we should at least take between one and two minutes of material out of the 7-minute track. My ears pricked. This made me think of a seamless connection between the “Ritual” experiment and “Cosmic Suspension.” Both songs require keyboard, and Marian already knew how to play the latter. “Ritual” became kind of an extended intro to “Cosmic.” We only played from 5:00 onwards plus the addition of the strings intro, which suited Marian coming onstage for his spotlight during the show.

All this matter wasn’t making Cristian happy. He’s more inclined to the other face of Yes: the late-Eighties and early-Nineties. Besides, I’d already announced on Facebook that we were going to play music by the English quintet, and two minutes of one of their songs connected to another one that wasn’t even written by the same artist wasn’t enough. He had a point. We discussed it though Facebook Chat and finally came to the conclusion that adding “Soon”, third movement from “Gates Of Delirium,” was the solution to this particular issue. I know, it’s also a Seventies piece, but it’s one of those Cristian likes all the same.

The other original song that didn’t work well as a Power Trio was “The Battle Of The Pelennor Fields,” one of the two originals I wrote inspired by J.R.R. Tolkien’s masterpiece: The Lord of the Rings: The Return of the King. Its official version contains the following elements: lead & rhythm guitar, bass, drums and orchestral arrangements (sampler sounds). There were a total of twenty-nine audio tracks for it before Dave Williams (sound mixer) was sent all of the files to do the final mix.

When playing live, the responsible for the creation of the music that’s meant to be presented wants to do the original version as much justice as possible. In the case of “Pelennor,” I was far from expecting an eighteen-piece orchestra to share the stage with the Rock ensemble. At least, I saw that I could edit the master orchestra track by reducing it to a 30-second intro (live sampler), which was a nice touch. However, a rhythm guitar was essential to pull “Pelennor” off.

My Facebook activity made me cross paths with many good musicians from Buenos Aires. However, I couldn’t get anyone to fill the rhythm guitarist’s spot for the show, which anyway was still on its foundations. In all this, I was having frequent Facebook conversations with Nico Haut, my brother’s friend and band partner in Shimatria as guitarist. During one of these conversations, I said to Nico “Wait a minute… you’re a guitar player.” “Ah… yes” he said, replying to my obvious affirmation. “I’ve been looking for one in order to cover ‘Pelennor’ live. How is it that I didn’t think of you in the first place? You’ve been right here all this time!” Needless to say, I invited him right then. He gladly acceded. 

Apart from the rhythm guitarist, I needed an alternative bassist too. Gervasio learnt most of the stuff in time. “Pelennor” was the only song he couldn’t learn with the necessary anticipation. (A date for the show had already been set by this time so we couldn’t fool around). I thought of Gustavo Centurión again. It was only one song, not an entire set list now. Maybe he would agree on playing it. He replied days after I messaged him saying that, in his opinion, the song was awesome, but he was still very busy giving shows with other people so he had to decline my new invitation.

You could say Nico (Morales) was probably the obvious choice right from the beginning. But given that he’s also a very busy person, though maybe in a different way than Gustavo, I let the chance of inviting him pass. For almost two years we’ve been working together on DelgiftC08, my website (apart from being a bass player, he’s also a web designer). This means that we’ve been having contact recently, no matter if it’s been through E-mails mostly.

“Pelennor” was such a great number, maybe the most important out of the four originals that made it to that tentative set list I’d sent to Gervasio months before, as it’s some sort of a fan-favorite. It would’ve been a shame to leave it out so I went ahead and invited Nico to learn and play it. Glad I did because he didn’t hesitate in saying yes.

Late-September, 2012:

Two or three months before the Lenny gig, an alternative one came out of nowhere. I called it Prog at the Gallery given that it was going to be part of a series of gigs at Art galleries in Buenos Aires, where other musicians were also going to perform. Lancelot, the organizer whom I met through Ale Sganga (more on him later), wanted me to be in charge of the September Gallery Night. My mind was busy enough with Lenny, but I said to Lancelot that if I came up with something good for this in time, I would do it. And so it was.

The Prog at the Gallery concept was… well… Prog. I took it as Classic Prog Rock rather than Neo Prog, therefore, the following numbers:

1) Panacea (Rush) - guitar & vocals by C

2) The Clap (Steve Howe) - guitar by July Valls

3) A los jóvenes de ayer (Serú Girán) - piano by Axel Taglia

4) After The Ordeal (Genesis) - by Axel (piano), July (acoustic guitar) & C (electric guitar)

5) Epitaph (King Crimson) - by Ale (violin) and C (guitar & vocals)

6) Soon (Yes) - by Ale, Axel, July & C

7) Ritual (Yes) - “virtually live” by Dave Becher (drums), Ron Hall (bass), Cees Van Ooijen (synths) & C (guitar)

What a great experience was to perform at that gallery! Each track had a life of its own. “After The Ordeal,” to pick up one song, ended up in there because Axel had watched “Chord Change” virtually covered by Dave, Ron, Marian & C after I shared the link to that video on his Facebook Wall. If Lenny played that song a little less than two years earlier it’s because Nico had seen Axel’s band, The Farm, play this instrumental by Camel before we got together again. When I shared the virtual cover of “Chord Change” with Axel and explained all this to him, he said he was in for any other virtual collaboration project. I told him to choose a song of his preference. Genesis was his choice. He suggested “After The Ordeal,” a song I’d never really heard before, and I even have a copy of Selling England By The Pound! But up to that point, I’ve only been paying attention to the first three songs on that record, “Dancing With The Moonlit Knight,” “I Know What I Like… (In Your Wardrobe)” and “Firth Of Fifth.” I took my copy upstairs and played the CD on track #6. I was glad to see that the guitar part was just melodic lines and not chord sequences. It’s easier to figure out single note patterns rather than complex chord structures, especially if you aren’t familiar with the original composer’s style, which was my case even though people generally comment on my videos saying that they can hear a bit of Steve Hackett in my playing. Cool, but I haven’t heard much of his music except for these Genesis songs plus the A Trick Of The Tail album. Maybe I’ve been influenced by guitarists who, in their turn, had been influenced by Hackett at some stage in their careers, I don’t know. 

There was no need to play the record again to learn the bass part. It’s incredibly easy. In fact, I came up with my own bass work. As usual, I helped myself with the kick drum. Dave was the one in charge of the drumming and tambourine on the virtual version.

July came into the scene via You Tube. For years, he’s been friends with Julie Rupp Oakes, a mutual virtual friend of ours from Florida, United States of America. I got a positive comment from him in one of my originals. Two comments actually, one in “Clovers In The Field” and the other in “The Battle Of The Pelennor Fields.” When I entered his channel to thank him for his words, I learned that he was a guitar player too, and from Buenos Aires! Small world, huh? Months later, I found out he had a Facebook account so I added him as a friend. Many conversations we had until one day, we agreed on doing something together. That night at the gallery was the first chance we had of doing so. Instead of my playing both parts on “After The Ordeal,” as I did on the virtual cover, we split the job in two: he played the lead during the first half on the acoustic guitar and I played the electric guitar from the middle to the end.

On Ale:

Ale Sganga was my fiddle teacher in early-2010. I wanted to play Celtic music with a proper instrument for it for the first time. I commented this to Nico, who also listens to Irish Celtic music (this is also why we hit it off), during an early meeting this same year. His only recommendation to me was Escuela de Música Celta de Buenos Aires (Buenos Aires Celtic Music School). “Ale Sganga is the fiddle teacher,” he simply said. 

I searched this Celtic Music school on Google. I found its site rather quickly. Ale’s personal E-mail address was at the bottom of the site’s home page. After exchanging E-mails, a first and private lesson was arranged. I took some more after this one, one per week. I think it was during the third when I had my Test For Echo T-shirt put on (another Rush album cover painted by Carlos). And how odd, this other T-shirt sparked a new conversation based on music, as it happened with Gervasio less than two years earlier. It made Ale say that during his teens, he was really into playing bass, and that there was constant talk about Rush’s bass player, Geddy Lee, for he was very skilled (and still is). That inevitably led us to Prog Rock in general. King Crimson was the second band we talked about. Ale played the riff in “21^st Century Schizoid Man,” though I didn’t know the song back then. But when he brought up Yes, the only thing I heard coming out of that violin was “Soon,” its vocal line. Right there, I knew it was a MUST. Ale’s been a Yes fan for more than thirty years. I’m sure it was second nature to him to play melody lines from his favorite songs on the violin. But it was something quite special to me, something that lingered inside.

I contacted Ale again months later, but now I did because I wanted to make a virtual cover of “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” by U2, based on different Celtic instrumental versions I’ve heard on some of my Celtic compilation CDs. Lance Reed from Minnesota, USA, a percussionist I met through one of his videos on You Tube, was going to play Bodhrán. My job was to add the acoustic and electric guitars plus a little bit of synths and soft percussion. The essential fiddle was missing though. It was already envisioned on the arrangement. I wasn’t good enough and by then I’d stopped taking fiddle lessons and practicing at home at all. (But I feel the eagerness to play fiddle is coming back to me, little by little.) Whatever, I only needed someone to lay the fiddle track down. Ale agreed on adding the missing piece.

We both felt “I Still Haven’t Found…” was going to work better than “Soon” for some reason. Now, I know the problem with the latter was the lack of a meaningful excuse to present it. When Prog at the Gallery came to be, and July and Axel were met and in for this project, Ale and I finally found what we were looking for: the right people, and everything under the right circumstances. This is also how Lenny itself eventually ended up performing this Yes piece of music. 

Prog at the Gallery ended up being a very spontaneous thing, even though you may find it hard to believe. I’m amazed by the fact that I was able to put four musicians (without counting the virtual ones for “Ritual,” who were displayed on a giant screen) together in such a short period of time. It worked fine. It had the advantage of being a non-official opening act to Jon Anderson just ten blocks away. Ale and I attended that concert after our gig. Some of the people in the audience did too, all of them Facebook contacts. It was a great night for sure.

October:

Now there was one month left before Lenny at Cendas so rehearsals for that kept on going. As we already know, the Yes issue was thankfully left behind, but there was one more thing to pay heed to… I had promoted the event saying that King Crimson’s music was also going to be part of the show. But the truth is Cristian, Gervasio and I had only thirty seconds of “In The Court Of The Crimson King” as outro to “Son Of Mr. Green Genes” by Frank Zappa, a far worse case than playing “Ritual” for two minutes and that’s it. Fortunately, the solution was already there: “Epitaph,” but now in its rocking version, not the acoustic Ale and I had played at the gallery. And what’s even better, it connects perfectly with the KC “wink of the eye” as the latter finishes in B major, the dominant chord for E minor, which is the first in “Epitaph.”

Even before encountering this other problem, Gervasio had said that the ending on “The Wreckers,” a Rush song from their latest album we were rehearsing, could be linked to “Epitaph” pretty seamlessly too given that the ending I’d come up with (the original studio version fades out) was in E minor. But “Epitaph” wasn’t part of the set back then, not even Prog at the Gallery was in existence yet. Of course, it was eventually thrown in there anyway, though it had nothing to do with "The Wreckers" after all. We even changed the ending on this Rush song after the band set off with their Clockwork Angels tour. Cristian preferred the more energetic ending, the song’s intro in the key of D major played as outro.

And finally, thanks to the fact that we went through all this necessary process, the ideal set list saw the light:

1) Xanadu/Dreamline (Rush/Rush)

2) Caras Galadhon (C)

3) The Battle Of The Pelennor Fields (C)

4) Omega Man (The Police)

5) Future’s Mystery (C)

6) Between Sun & Moon (Rush)

7) Soon (Yes)

8) Ritual/Cosmic Suspension (Yes/C)

9) The Wreckers (Rush)

10) Son Of Mr. Green Genes/In The Court Of The Crimson King/Epitaph (Frank Zappa/King Crimson)

11) All Along The Watchtower (Bob Dylan, The Jimi Hendrix Experience version)

Now, it was all about playing these songs together every Saturday night until the final one on October 27^th.

And that night finally came…

The set went as planned… almost. Marian turned around while the audience was applauding and cheering us after “Ritual/Cosmic Suspension” to say he was actually playing his keyboard song. One week before the show during lunch he told me he wanted to include a keyboard solo he’d been writing. I said that if he felt comfortable with it, he was more than welcome to do it. His composition seems from another dimension, as it generally happens with what he writes on his own. That was the kind of vibe many people at the audience claimed to have felt.

Apart from Marian’s solo, the other unexpected thing that occurred was that instead of us saying goodbye before “All Along The Watchtower,” we played everything we had prepared non-stop. People asked for another song but there wasn’t anything left… Unless… “Panacea!” I remembered it from Prog at the Gallery, of course. It was just one more tune, which didn’t even need band. So there was actually a real encore, a thing that came completely out of the blue. At the gallery, I played and sang it better, in my opinion. We should take into account that I had been rehearsing it a lot for that first 2012 gig. I didn’t play it anymore and suddenly, I was right there onstage, facing an audience eager for more music. It was the perfect song to wrap the night up though. Even someone cried “Something else by Rush, Claudio!” Hope he liked it. During the Gallery Night, an unexpected band was playing inside one of the places where pictures were at exhibition. They stopped when July followed with “The Clap.” I saw myself forced to sacrifice “Panacea,” the opening number, in order to make them shut up as it was our turn. I took this encore as life wanting this beautiful and peaceful Rush song to have a proper spotlight, the one it always deserved.

Homeward cyclers:

Something had been making me restless ever since this live gig was put up: how was I supposed to come back home from the show? I knew the best way was to make it a bike ride, but I needed to put things in order if I wanted to do that.

On Wednesday night, I called my friend Juani to ask him if he’d like to be my riding partner. He’d told me he was preparing himself to travel to North-Western Argentina, province of Salta, in February of 2013. He’d go by bus with his bike disassembled as another piece of luggage. He didn’t intend to visit places in there if there wasn’t any biking involved. My invitation came in handy for him, kind of an excuse to train his body for the upcoming trip. He immediately agreed. As he did, he got inside the front cabin's truck, the one rented to move all of the equipment plus the bikes from home to the venue, with me once the driver arrived in perfect time that Saturday.

After saying hi to everyone who approached me after the show and receiving a really nice gift from my friend Odalis (strawberry jam made with organic sugar) Juani and I left the building. I had to make sure everything was packed and ready to go before allowing myself to return home. My father, who apart from renting the venue also rented a van to bring friends from Tigre to the show, was going to bring all of the equipment back by the means of this same vehicle. Once everything was checked, Juani, Juampi (responsible for the filming during Lenny’s performance) and I, three friends still together from our days in school, went to the first corner that was at our right on the opposite sidewalk as there was a pizza house: Zapi. I never eat before singing live. I don’t want to feel heavy, as it were. It always works, but now I needed to regain energy after so much work, whether it was during the setting-up or the performance itself. Either way, both things were physically demanding.

We didn’t have pizza after all. The food house also had veggie empanadas and Napoli cheese cake on its menu, and that’s what we had for a bite.

The guys in Pitagorax Anselmo, a Progressive Metal band from Quilmes (Southern Area of

Gran Buenos Aires) came to the show. Gastón “Gatex” Bernstein, their keyboardist, guitarist and singer, is the one I know from Facebook. He came and brought his girlfriend and two other friends, one of them being Pitagorax Anselmo’s bass player, Pablo Chamorro. When Juani, Juampi and I sat down on a table outdoors, these people were already there having their meal at the next one. I had a short conversation with Gastón. He said he’d like to do something together in the future. There’s plenty of stuff that could be done so we’ll surely join forces sooner or later.

Around a quarter of an hour later both groups left the tables and started to walk towards the streetlight in which the bikes were chained. “I was sure you were joking when you said through the microphone you were coming back to Tigre by bicycle,” was Pablo’s comment when he saw our non-motorized vehicles for himself. Another comment I got from him, related to music this time, was that executing “In The Court…” and all of a sudden switching to “Epitaph” was surprising; a good move, so to speak. In a way, that was the idea, similarly to what I first intended by playing “Xanadu” (intro only) and adding a “Permanent Waves” sound (the one at the end of “Natural Science”) to Theo Heidfeld’s electronic percussion sampler at the end so Cristian could start with “Dreamline” while the wave sound faded out.

It was time for Juani and me to ride back. We said goodbye to Juampi, who drove to the gig and now had to cross the street to reach his 4-wheel. Pablo wished us a “bon voyage” while we were bidding Pitagorax Anselmo farewell.

The night was the best you could ask for: great weather, not a strong wind but a refreshing one. We felt maybe one or two drops of water coming down from the sky, but luckily, it never rained.

Downtown is full of bike paths. They helped us to avoid the typical traffic that can be found in this area. However, on Saturday nights it isn’t as crowded as, say, Monday at midday. We took advantage of all the bike paths in our way to make the best time possible. Following them eventually led us to Avenida del Libertador. Here’s when I turned around and cried at my partner, who was a few meters behind me: “Now I feel as if I’m already at home!” This is an avenue that covers around thirty kilometers. It stretches from downtown’s central train station to San Fernando, right in its limit with Tigre. We only had to ride it almost in its entirety. (Even though we had to reach its furthest point and beyond, we hadn’t been led from the last bike path to Libertador’s point of start at Retiro - train station mentioned above - but a bit closer to the Northern Area where we belong to, therefore, “almost in its entirety.” I thought it was worth clearing that out.) Anyway, both of us have ridden this whole area, whether it was together or alone, many times in the past. We knew where to take a parallel and more comfortable road if we had a mind to do it.

Juani had ridden his bike with Cristian Caceres, another friend of ours and riding partner on “The Tale of the Great Journey,” at noon on this same Saturday, which was now early-Sunday really. He was, understandably, a bit tired and needed a rest. We stopped at San Isidro’s main park next to the hugest cathedral I’ve ever seen. What I clearly remember from this stop was Juani’s comment about my riding back instead of getting on the rented van with the rest of the people who were coming back to Tigre that way. “Now you’d be there, still talking with everyone about the show and such, yet you aren’t.” He completely understood, without my having to explain anything, why the bike was my choice. A show is an occasion in which a lot of time is spent with people. That’s something I truly appreciate a lot, the fact that family members, friends and Internet contacts alike come to enjoy the music you’re delivering. Then you get their much welcomed feedback (if the job was done well and they know how to appreciate it). But that nice moment should stop in time, not be stretched for too long. The bike gave me that sense of freedom, an escape from that stream of comments about something that had just happened. Time on your own allows reflection, and that’s also much appreciated. Plus it was an emblematic ending, a celebration of everything I’ve been doing for so long, all in one single night.

We hit the road again a few minutes later. Maybe a little more than half an hour after our stop we finally arrived at our city. At the first bridge we encountered, the nearest to Tigre’s train station, we said goodbye to each other. But just before the two of us parted ways, Juani said another thing that was really simple, yet nice and true: “Well, everything ended up perfectly.” It really was like that. It felt great to be so close to conclude months and months (not to say years) of experiences and quickly look back and realize everything worked out in the end.

It didn’t even take me five minutes to arrive at my house. When I took the keys out of my bag, Liu came from the shadows to greet me with her gentle meowing and tender body caress between my ankles.

Una odisea musical

Los primeros días:

Lenny llegó al mundo a mediados de 2006. Incluso antes de que se formara la alineación oficial estuvieron Emiliano Pérgola, un baterista con el que solía hacer música cuando era un pre-adolescente, y Hernán Minoni, que por aquel entonces era el bajista de Desamparados, una banda de Rock & Blues de Tigre. Este trío era más una idea que una banda de verdad. No fuimos muy lejos los tres juntos. Emiliano abandonó el proyecto pronto ya que su verdadera banda era su prioridad. Aunque Desamparados era la prioridad de Hernán, él no renunció a la idea de formar parte de este trío que tenía en mente.

En poco tiempo me pidieron ocupar el rol de guitarrista en Desamparados (esta banda siempre tuvo dos guitarristas, ambos se repartían el trabajo equitativamente. Nunca hubo un guitarrista líder y otro rítmico). Lucas, el guitarrista a remplazar, estaba renunciando. Acepté la invitación, e incluso antes de volverme un miembro oficial de esta banda ya me había comprometido a tocar teclado en una o dos de sus canciones para una fecha próxima. Durante el resto del set de aquella noche toqué guitarra de soporte excepto por “Mary Had A Little Lamb” (versión de Stevie Ray Vaughan), canción en la que aparecí como invitado especial en guitarra líder.

Lo importante de todo esto es que un ensayo para esta presentación se había acordado, y tomaría lugar en mi casa. Aun así la banda me sorprendió esa tarde/noche al tocar el timbre. ¡Se me había olvidado por completo! No fue para tanto, el ensayo se hizo de todas maneras.

Este fue el día en el que conocí al futuro baterista de Lenny: Gogui. Maxi Larreta, un gran baterista de nuestra ciudad (y baterista en mi canción “Heaven”) había dejado de tocar en Desamparados también. No renunció, tampoco fue expulsado. Es sólo que nunca fue un miembro oficial. Lo que había estado haciendo es ayudar a la banda hasta que encontrara un baterista fijo. Gogui fue siempre amigo de Martín, el otro guitarrista. Este lo invitó a unírseles y él aceptó.

Cuando el ensayo llegó a su fin y yo estaba acompañando a los chicos a la puerta para despedirlos, Gogui empezó a preguntarme acerca de mis gustos musicales y demás. Tuvimos una corta conversación sobre ello, corta pero satisfactoria. Eventualmente no empezamos a llevar bien. Nuestra buena relación musical hizo que quisiera invitarlo al proyecto paralelo que tenía con Hernán. Se convirtió en un trío prometedor. De todas maneras no pudimos desarrollarnos tanto como lo hubiese querido, pero fue lo suficiente como para ver que esta idea mía de hace tanto tiempo tenía potencial.  

Una de las canciones que Hernán, Gogui y yo logramos tocar bien fue “Friends” de Joe Satriani. Solamente tocamos en vivo una vez como teloneros de Desamparados en una fecha que tuvo lugar en el patio trasero de mi casa. Recuerdo que tocamos “D.O.A.” y “Learn To Fly” de Foo Fighters también, pero “Friends” se mantiene en mi mente como el logro mayor alcanzado con estas dos personas.

La verdad es que Desamparados no era mi onda realmente. No era malo, aclaro, pero mi dirección musical tenía otro camino que recorrer así que no pude seguir mucho más después de algunas fechas con ellos. Gogui tampoco estaba muy cómodo ya. Dejó la banda al mismo tiempo que yo. Hernán también, pero a su vez dejó de tocar con el ex-baterista y guitarrista. La inevitable disolución de Desamparados se dio, y Hernán estaba triste y hasta enojado con la situación en forma completa, no estrictamente con los miembros del grupo, total o parcialmente. Al menos nunca me dio esa sensación.

Gogui y yo acordamos mantener el proyecto con vida aunque no hubiese necesidad de vernos hasta que encontráramos un nuevo bajista. Cuatro meses pasaron antes de que él me llamara para darme la buena noticia: le había preguntado a Nicolás Morales, un amigo suyo, si quería tocar el bajo con nosotros dos. Éste dijo que sí.

Cuando finalmente nos conocimos en casa de Gogui me di cuenta que ya conocía a Nico de otro lado. Fue durante clases particulares de matemática. Gogui y él las necesitaban para cosas relacionadas con la universidad y yo para temas de la escuela secundaria. Y henos aquí otra vez, juntos pero bajo circunstancias muy distintas (ni hablar que más bienvenidas).

Nico era fan de The Police. Eso encajaba con algunas de nuestras ideas musicales. “Message In A Bottle” fue la primera canción que el nuevo trío tocó. “New World Man” de Rush, una de sus canciones más “policeras”, solía ser un número frecuente durante los ensayos con Hernán. Continuamos tocándola, ahora con Nico en las cuatro cuerdas.  

Esta alineación se veía más oficial ante mis ojos, más tiempo pasado en compañía, más canciones ensayadas. Llegó un punto en el que acumulamos una buena cantidad de canciones así que preparamos todo para volver a tocar en casa. Fue el veinticuatro de marzo de 2007, el mismo día en el que The Who se suponía tocaría en vivo en Buenos Aires por primera vez en toda su carrera. Desafortunadamente los conciertos sudamericanos se habían suspendido con meses de anticipación. Lo que estuvo bueno (y que fue muy apropiado para la ocasión) fue que Lenny (ya teníamos el nombre de la banda decidido para ese entonces) tocó “The Seeker” esa noche, aunque basada en la versión de Rush. La cuestión es que al final música de la banda británica se hizo escuchar en Argentina ese día. Además de “The Seeker” Lenny tocó estas otras canciones también: “Purple Haze” y “Voodoo Child (Slight Return)” (The Jimi Hendrix Experience)“Message In A Bottle” y “Synchronicity II” (The Police), “New World Man” y “Closer To The Heart” (Rush), “Couldn’t Stand The Weather” (Stevie Ray Vaughan & Double Trouble), “Learn To Fly” (Foo Fighters), “Money” (Pink Floyd) y “Aeroplane” (Red Hot Chili Peppers). Como pueden ver, todos covers. Dos canciones propias hicieron su camino hasta llegar a ser presentadas en shows venideros. Una de ellas está bastante descartada ya, tal vez con la excepción de su solo de guitarra. Pero la otra funciona y con suerte va ser grabada apropiadamente pronto.

Tres o cuatro fueron esos “shows venideros” mencionados arriba antes de que Lenny dijera “basta”. Nico y Gogui comenzaban a verse muy ocupados ya sea con trabajo como con estudio. Yo seguí haciendo música por y para mí mismo, escribiendo en la comodidad de mi habitación. De hecho, cosas que hoy en día están disponibles en mi sitio web son composiciones de esos días. Les tomó años ser grabadas. Pero el tiempo no es inconveniente alguno siempre y cuando las cosas se tornen reales al final.     

Otra oportunidad de brillar:

En 2010 tuvimos otra chance de tocar en vivo. Aprovechamos un festival de Rock organizado por el municipio de Tigre. Fue como “El retorno de Lenny”, por así decirlo. Lo más transcendental para mí esta vez fue Nico con su propuesta, de la cual estaba más que convencido: “Chord Change” de Camel. Solamente conocía a Camel de nombre, nunca antes había escuchado ninguna de sus canciones. Nico la buscó en You Tube el día en que nos juntamos para hablar de la fecha que nos esperaba. Quería que la escucháramos y le diéramos nuestra opinión. Inmediatamente empecé a tocar la guitarra sobre la grabación para ir sacando las notas de la primera parte. “Parece ser una canción difícil” dije. Pero Nico dijo que ya estaba sacando correctamente dichas notas, y era sólo mi primera escuchada. Así fue que me di el tiempo necesario para aprenderla entera en los próximos días.

Algo mágico sucedió cuando estaba en mi habitación sentado en frente de la computadora con la misma ventana virtual abierta al día siguiente: de repente fui inspirado a extender el solo de guitarra al darme cuenta que podía enlazarse perfectamente con “Aquatic Ambiance”, una composición que David Wise creó para mi juego de video favorito: Donkey Kong Country. Esta es una pieza que marcó mi niñez. En la adolescencia dejé de jugar a los videojuegos. Por años pasé por alto esta canción hasta que un día mi papá, hermano y yo decidimos mandar a reparar la consola (Super Nintendo). Esa misma semana mi papá condujo hasta Capital Federal para llevar el Super NES a una tienda de reparación. Para su gran sorpresa el técnico dijo que el sistema estaba funcionando perfectamente y que no había nada que reparar. Solamente estaba “oxidado” después de tantos años de desuso. Incluso los cartuchos estaban en buenas condiciones excepto por uno: International Superstar Soccer, DELUXE!, otro juego que de chico jugué toneladas de veces. Una lástima, pero DKC y DK2 (Diddy’s Kong Quest) estaban funcionando y eran esos los más importantes para mí.

Por medio del Super Nintendo pude aprender “Aquatic Ambiance” en la guitarra. Mi hermano seleccionaba el primer nivel bajo el agua de la isla y lo iba pasando y yo escuchaba con cuidado para sacar las notas tanto melódicas como de base.      

Además del solo de guitarra, en “Chord Change” hay un quiebre de órgano en fa menor y si bemol mayor. Ahora bien, si existen dos tipos de solos distintos en una misma canción y a la vez dos juegos de video diferentes (aunque de la misma saga), juegos que mi hermano y yo jugamos una y otra vez en una etapa de nuestras vidas, una referencia a Donkey Kong Country 2 tenía que hacerse. “Forest Interlude”, el melancólico tema de la sección embrujada de la isla, se convirtió en la extensión del solo de teclado, instrumento que sería tocado por Ma-rian, mi hermano. Ésta pasó a ser mi parte favorita del cover.

Entonces todo esto hizo de “Chord Change” la gema del material que íbamos a presentar en el festival. La tocamos en cada uno de los ensayos previos al último día. Las otras canciones fueron “Sweet Miracle” (Rush), “Spirits In The Material World” (The Police), “All Along The Watchtower” (Bob Dylan, versión de The Jimi Hendrix Experience), “No Way Back” (Foo Fighters), “Couldn’t Stand The Weather” (Stevie Ray Vaughan & Double Trouble) y “Kashmir” (Led Zeppelin). Esta última la ensayamos sólo una vez una semana antes del día del festival. Mi intención era que Ma-rian tocara en más de una sola canción. Aun así abrimos con ella el veintiséis de septiembre de 2010, el día del vigésimo-cuarto Cumpleaños de Gogui. Muchas bandas locales se habían inscripto para tocar así que sólo hubo veinte minutos para cada acto. Después de “Kashmir” siguió “Chord Change” (¡teníamos que asegurarnos de que no quedara fuera!). Después vino “All Along The Watchtower”, una canción muy confiable y satisfactoria en muchos niveles. Ese fue el cierre de nuestro turno sobre el escenario.

Y una vez más, Lenny fue puesto a descansar por otro tiempo...

El presente:

El motor volvió a encenderse a fines de 2011 cuando Cristian Kukar, un baterista de mi ciudad, quiso juntarse conmigo para zapar y ver qué onda. Lo llegué a conocer por medio de Facebook gracias a otro batero y fan de Rush: Marcelo Camisay. A esta otra persona la había conocido mediante su Blog dedicado a Rush, VT suena mal. Él es de Boedo, uno de los muchos barrios de Capital Federal. He aquí algo ciertamente loco que la Internet permite: Por fin conocí a un baterista que no sólo su banda favorita es Rush sino que también gusta de bandas como Genesis y King Crimson (¡¡¡y vive a nada más que siete cuadras de mi casa!!!) gracias a un (casi) extraño de Capital con el que solía mantener contacto via Blogger y ahora Facebook. ¿Qué tengo que pensar de todo esto?

Nuestro primer ensayo fue como dúo de guitarra y batería. La primera canción que probamos fue “Dreamline”. Nos sorprendió lo bien que la tocamos en esa primera pasada. Me hizo consciente de lo mucho que a Cristian le gustaba Rush, especialmente Neil Peart. “Dreamline” es una canción que les había sugerido a Nico y Gogui cuando Lenny era una banda formal. Nunca se sintieron cómodos con tocarla, tampoco con “Omega Man” de The Police. Estas dos canciones esperaron mucho tiempo antes de ser llevadas al escenario (por Lenny, obviamente. “Dreamline” es tocada con frecuencia por sus creadores y “Omega Man” pudo haber sido interpretada por otros más allá del trío británico entre 2006 y 2012). Con Cristian fue más fácil elegir canciones gracias a nuestras coincidencias en cuanto a gustos musicales.

Todo esto es muy lindo, pero una pieza del rompecabezas estaba todavía en falta: el bajista. Ahora bien, se puede tener un show sin teclado ni guitarra rítmica si estratégicamente se eligen canciones de “Power Trios”. Pero en Rock y música popular en general la batería y la guitarra por su cuenta no sobreviven. El bajo es el que termina de unificar el ensamble ya que trabaja rítmicamente con la batería y a la vez emite notas que trabajan mano a mano con lo que la guitarra haría. Un tecladista produciendo bajos de sintetizador con su mano izquierda o con sus pies por medio de pedales podría servir, pero un verdadero bajista es, como se dice vulgarmente, “la posta”, y eso es lo que estaba faltándonos.

Gustavo Centurión es un muy buen bajista, alguien con mucha experiencia. Es uno de los tres integrantes de Chop Suey, una banda en la que mi papá cantó en los Noventa. Él fue el único que comentó en mi Estado de Facebook, el cual estuvo dirigido a bajistas en Zona Norte, diciendo que podía contar con él. Ensayamos “Dreamline”, “Omega Man” y “All Along The Watchtower” como dúo una sola vez. Estaba ansioso por armar un ensayo con los tres juntos después de haber tocado solo con Gustavo. Pero al ser tan buen músico es obvio que es constantemente requerido por muchos. Ya tenía una buena cantidad proyectos iniciados con otra gente, y después de una gira de verano junto a los Hermanos Butaca se dio cuenta que no iba a poder unirse a Cristian y yo. Esto le dio comienzo a una nueva búsqueda del tan necesitado bajista.

Mi agenda telefónica todavía contaba con el número de Gervasio. Él es alguien con el que me encontré dos veces en mi vida. Hora de otra anécdota loca, aunque esta vez la Internet no está involucrada en su locura...

En diciembre de 2008 visité Jardín Musical, una disquería que tiene todo lo que me interesa cuando se trata de música. Si el producto deseado no está en el mismísimo local los encargados lo piden, ya sea en forma nacional (si está disponible de esa manera) o importado. Mi presencia esta vez se debía al retiro de un álbum de Eric Johnson que había pedido meses atrás: A Via Musicom. Como estaba vistiendo mi remera de Fly By Night, la que Carlos Prete (gran artista plástico) pintó para mí en Villa Gesell, este completo extraño se me acercó, señaló el dibujo y dijo, “¡Aguante Rush!”. Esto produjo una conversación de aproximadamente media hora que simplemente comenzó con él presentándose. “Hola, me llamo Gervasio”. Ese nombre me llevó instantáneamente a San Isidro, alrededor de una década atrás cuando todavía no era más que un niño...

Javier, mi amigo de la infancia y vecino, me había invitado al MacDonalds de San Isidro, el único cerca con un pelotero para que los chicos pudiesen divertirse jugando además de comer sus hamburguesas. (IMPORTANTE: Ya son muchos años desde que dejé de consumir productos de MacDonalds). Su mamá nos había llevado en auto a este lugar. Durante esa noche, otro chico pasó todo su tiempo junto a Javier y yo. Se llamaba Gervasio, un nombre muy poco común por cierto. Fue uno de esos momentos en los que uno se hace amigo de extraños de su misma edad sólo para pasar el rato. Cuando escuché ese nombre otra vez y lo vi directamente a la cara, no pude creerlo: era ese mismo chico, nada más que mucho más alto ahora. No dije nada porque me parecía algo muy extraño y difícil de explicar en ese preciso instante. Me imagino que a su vez hubiese sido difícil para Gervasio entenderlo. Fue la decisión más sabia, nos permitió enfocarnos directamente en música, que era realmente el punto. Por ejemplo, su presencia en la disquería se debía a su interés por adquirir una copia de Foxtrot, uno de los álbumes más importantes de Genesis.

Antes de despedirnos me pasó su número de celular y el nombre de su banda: Girana Clown. Con gusto acepté esos contactos suyos a pesar de que no estaba interesado en tocar en vivo por aquellos días.

Un buen tiempo pasó antes de que finalmente buscara a Girana Clown en You Tube. Estaba un poco confundido al leer comentarios dejados en uno de los videos y canal de la banda. Mostraban aliento y apoyo más que nada a los miembros de la banda y no tanto a la banda en sí. Después de leer un poco más los terminé de entender: Santiago Urbani había sido su guitarrista, un chico de Tigre que fue asesinado. Esto me impactó, y sólo podía pensar lo injusto y terriblemente triste que va adjunto a algo tan duro con ello. Preferí mantener distancia ya que lo sensible de todo el devastador asunto era palpable, y pude notar un lazo muy fuerte entre los miembros de Girana Clown (más que comprensible).

Para este entonces mi actividad cibernética vio sus comienzos. (Más acerca de esto puede encontrarse en “Sueños...”, una publicación del pasado y disponible en este mismo Blog).

Cristian y yo seguíamos estancados. No podíamos seguir sin un bajista. Así fue que recaí en la agenda telefónica en busca del número de Gervasio. Segundos después de hacerlo me topé con un gran inconveniente: El número no correspondía ya a un abonado en servicio. O sea que la única manera que tenía de contactarlo era mediante Girana Clown. Mi cuenta en Facebook había sido reactivada para ese entonces después de que fuera desactivada por seis meses ya que me había hartado de esta red social. Navegué por su página en FB (una alternativa al canal en You Tube) y leí mucho acerca de Santiago otra vez, lo que me hizo detenerme una vez más. Vi que estaban más unidos que nunca, lo que me hizo sentir algo incómodo. Saben, pedirle a la banda un contacto de su bajista para invitarlo a tocar en otra cosa distinta a Girana Clown. “¿Cómo podrían tomárselo?” era la pregunta que me carcomía. Pero probó ser una tontería porque mi plan no era formar una banda, menos robarle el bajista a otra. Eso es lo que eventualmente le expliqué a Gervasio después de que él mismo respondiera al mensaje que mandé a la dirección de correo electrónico de la GC misma dos semanas más tarde.

La idea de esto que estaba organizando era presentar música que en mi opinión valía la pena presentar. Armé una lista de posibilidades que le mandé a Gervasio. Eventualmente, la mayoría de esas canciones pasaron a ser parte del show final. Se mostró entusiasta ante la propuesta y mostró compromiso desde el principio. Tenía un esguince en su mano derecha debido a un partido de fútbol así que no pudo ensayar la primera vez, pero de todos modos quiso estar presente en el ensayo para escuchar el material en el que Cristian y yo habíamos estado trabajando. Afortunadamente le gustó todo, tanto los covers como las canciones originales, y estaba dispuesto a aprenderse las canciones apenas se recuperara del esguince.

Algunos temas, como dije anteriormente, funcionan bien en formato Power Trio, pero otras cosas que valían la pena tocar necesitaban algo más. Tal es el caso de “Cosmic Suspension”, una de mis composiciones. Esta canción incorpora teclado, y está lejos de ser algo secundario. Ma-rian fue el que se encargó de ello al final. Su aporte hizo que “Cosmic” sonara diferente a la versión disponible en You Tube, en la que yo mismo toqué teclado, aunque la estructura nunca cambió. Ahora sonaba mejorada y más aventurera.

No estaba en mis planes tocar algo de Yes ya que siempre me costó encontrar la manera indicada de interpretar adecuadamente su música compleja en vivo. Gervasio fue un poco insistente acerca de sumar una pieza de Yes al repertorio. Yo sabía que no había chance, menos si la idea era tocar algo de la alineación clásica: Anderson, Squire, Howe, Wakeman & White, lo que rondaba por la mente de Gervasio. Bueno, estaba equivocado. La vida me mostró el camino al hacerme elegir aleatoriamente, de una carpeta con más de mil canciones, “Ritual” dos veces, no seguidas pero la primera vez en una noche y la segunda a la siguiente. Tomé la guitarra y empecé a sacar las partes sin siquiera escuchar la grabación. Lo encaré sin ningún tipo de límites. Acá fue cuando me di cuenta que para hacer un cover de Yes no hace falta respetar la estructura de la canción elegida a rajatabla. Este épico de veintiún minutos tiene mucho contenido, uno puede aprender muchas partes y ubicarlas como mejor le parezca. El resultado de esta experimentación fue una versión instrumental de aproximadamente siete minutos (la introducción de guitarra de cuarenta segundos no fue parte de la colaboración virtual con Dave Becher, Ron Hall y Cees Van Ooijen, tampoco de la versión en vivo ya que la intro de esta última fue tratada con el sonido de cuerdas del teclado).

A pesar de habérseme ocurrido esta versión mucho más viable seguía creyendo que Lenny no la iba poder hacer sonar bien. Gervasio sugirió que al menos tomáramos uno o dos minutos de los siete totales. Eso me hizo pensar en una conexión sin costuras entre el “Experimento Ritual” y “Cosmic Suspension”. Ambas canciones requieren teclado. Ma-rian ya sabía tocar “Cosmic”. “Ritual” terminó de convertirse en una suerte de extensa introducción para mi canción. Sólo tocamos desde el minuto cinco en adelante más la adición de la intro de cuerdas, lo que le sentó bien a Ma-rian como invitado especial.

En todo esto Cristian no estaba realmente contento con el número. Él está más inclinado a la otra cara de Yes: los finales de los Ochenta y principios de los Noventa. Además yo ya había promocionado al evento diciendo que íbamos a hacer música del quinteto británico, y dos minutos de una de sus canciones conectada a otra que ni siquiera es del mismo artista no era suficiente. Razón no le faltaba. Lo discutimos por medio del chat de Facebook y finalmente llegamos a la conclusión de que agregar “Soon”, tercer movimiento de “Gates Of Delirium”, era la solución a este problema. Sí, no deja de ser una canción de los Setenta, pero es una de esas que a Cristian aun así le gusta.

La otra canción original que no funcionaba como Power Trio era “The Battle Of The Pelennor Fields”, una de las dos composiciones que escribí inspirado en la obra de J.R.R. Tolkien: El Señor de los Anillos. La versión final de “The Battle Of The Pelennor Fields” contiene los siguientes elementos: guitarras líder y rítmica, bajo, batería y arreglos orquestales (sonidos de sampler). Hubo un total de veintinueve pistas de audio antes de que Dave Williams, el mezclador de sonido, recibiera todos los archivos para trabajar en la mezcla final.

A la hora de tocar en vivo el artista responsable de la creación de la música a presentarse quiere hacerle justicia a la versión original tanto como le sea posible. En el caso de “Pelennor” lejos estuve de pretender que haya una orquesta de dieciocho músicos compartiendo el escenario con el ensamble de Rock. Al menos vi que podía editar el master de orquesta y reducirlo a una introducción de treinta segundos, lo que resultó ser un toque interesante. De todos modos, una guitarra rítmica era esencial para llevar a cabo “Pelennor”.

Mi actividad en Facebook hizo que me cruzara con muchos buenos músicos en Buenos Aires. Aun así no lograba hacer que ninguno ocupara el puesto de guitarrista rítmico durante el show, que de todos modos todavía estaba en sus cimientos. En todo esto estaba teniendo frecuentes conversaciones con Nico Haut, amigo y compañero de mi hermano en Shimatria como guitarrista, por Facebook. Durante una de estas conversaciones le dije a Nico “Un momento.... vos tocás guitarra”. “Eh... sí” dijo él, respondiendo a mi tan obvia afirmación. “Hace rato que estoy buscando uno para que toqué ‘Pelennor’ en vivo ¿Cómo es que no pensé en vos de una? ¡Estuviste acá todo este tiempo!”. De más está decir que ahí mismo lo invité. Con gusto aceptó la invitación.

Además del guitarrista rítmico necesitaba  también un bajista alternativo. Gervasio aprendió con tiempo casi todo lo que se iba a tocar. “Pelennor” fue lo único que no llegó a aprender con la anticipación necesaria. (Una fecha ya se había fijado para el show así que no podíamos dar muchas vueltas). Pensé en Gustavo Centurión otra vez. Ahora lo iba a estar contactando solamente por una canción, no una lista completa. Tal vez accediera... Su respuesta días después de haberle mandado un mensaje fue que, en su opinión, la canción estaba genial, pero que seguía muy ocupado dando shows con otras personas así que tuvo que declinar la nueva invitación.

Podría decirse que Nico (Morales) era posiblemente la opción obvia desde el comienzo. Pero dado que él también es una persona muy ocupada, aunque tal vez de una manera distinta que Gustavo, dejé pasar la oportunidad de invitarlo. Por dos años estuvimos trabajando en www.delgiftc08.com, mi sitio web (además de ser bajista Nico es también diseñador web, como Axel. De hecho, ambos trabajan juntos bajo el nombre de Top Cube). Esto significa que nunca dejamos de mantenernos en contacto, aunque fuese por correo electrónico la mayoría de veces.

“Pelennor” era un número muy bueno como para dejarlo fuera de la lista. Es la favorita de la gran mayoría de personas que siguen mi actividad musical. Como hubiese sido una pena omitirla me terminé de decidir a mandarle un mensaje a Nico preguntándole si estaba interesado en aprenderla y tocarla. Menos mal que lo hice porque no dudó en decir que sí.

Fines de septiembre de 2012:

Dos o tres meses antes de la fecha de Lenny otra surgió de la nada. La llamé Prog at the Gallery debido a que sería parte de una serie de presentaciones en vivo en galerías de arte de Buenos Aires. Lancelot, el organizador al cual conocí por medio de Ale Sganga (más sobre él en un rato), quiso que me encargara de la Gallery Night de septiembre. Mi mente ya estaba bastante ocupada con Lenny, pero le dije a Lancelot que si se me ocurría algo bueno a tiempo, lo haría. Y así fue...

El concepto de Prog at the Gallery fue... bueno... Prog. Lo tomé por el lado de Rock Progresivo Clásico más que de Neo Prog, por lo tanto, los siguientes números:

1) Panacea (Rush) - guitarra & voz por C

2) The Clap (Steve Howe) - guitarra por July Valls

3) A los jóvenes de ayer (Serú Girán) - piano por Axel Taglia

4) After The Ordeal (Genesis) - por Axel (piano), July (guitarra acústica) & C (guitarra eléctrica)

5) Epitaph (King Crimson) - por Ale (violin) & C (guitarra & voz)

6) Soon (Yes) - por Ale, Axel, July & C

7) Ritual (Yes) - “virtualmente en vivo” por Dave Becher (batería), Ron Hall (bajo), Cees Van Ooijen (sintetizadores) & C (guitarra)

¡Qué gran experiencia fue el haber tocado en aquella galería! Cada número tuvo vida propia. “After The Ordeal”, por nombrar una canción, terminó ahí porque Axel había visto el cover virtual de “Chord Change” por Dave, Ron, Ma-rian y yo después de que lo colgara en su Muro de Facebook. Si Lenny tocó esa canción poco menos de dos años antes es porque Nico había visto a la banda de Axel, The Farm, tocando este instrumental de Camel en vivo antes de que nos volviéramos a juntar. Cuando compartí el cover virtual con Axel y le expliqué todo esto dijo que quería formar parte de cualquier otra colaboración virtual que se pudiera hacer. Le dije que eligiese una canción de su preferencia. Genesis fue su elección. Sugirió “After The Ordeal”, una canción que no había escuchado antes. Eso creía yo, pero sí lo había hecho alguna vez ya que tengo una copia de Selling England By The Pound. El tema es que hasta ese entonces mi atención fue puesta principalmente en las primeras tres canciones de ese álbum: “Dancing With The Moonlit Knight”, “I Know What I Like... (In Your Wardrobe)” y “Firth Of Fifth”.

Tomé mi copia y la llevé a la planta alta para darle “Play” a la pista #6. Me gustó escuchar líneas melódicas de parte de la guitarra y no progresiones de acordes. Siempre es más fácil discernir notas en singular que complejas secuencias de acordes, especialmente si uno no está familiarizado con el estilo del artista del cual tiene que aprender tal pieza. Ese era mi caso más allá de que la gente generalmente comenta en mis videos diciendo que pueden escuchar algo de Steve Hackett en mi manera de tocar. Genial, pero no escuché nada más allá de Selling England By The Pound (y no constantemente) y A Trick Of The Tail. Tal vez la respuesta está en el hecho de haber sido influenciado por guitarristas que a su vez han sido influenciados por Hackett mismo.

No hubo necesidad de escuchar la canción otra vez para aprender la parte de bajo. Es increíblemente sencilla. Lo que es más, se me ocurrió mi propio trabajo con este instrumento. Como de costumbre me ayudé con el bombo de la batería. Dave fue el encargado de “los tachos” y pandereta en la versión virtual.

July entró en escena vía You Tube. Por años ha sido amigo de Julie Rupp Oakes, una amiga en común de Florida, Estados Unidos. Recibí un comentario positivo de él en uno de mis temas originales. Dos en verdad, uno en “Clovers In The Field” y el otro en “The Battle Of The Pelennor Fields”. Cuando entré en su canal para agradecerle por sus palabras supe que también era músico, ¡y de Buenos Aires! Qué mundo pequeño, ¿no? Meses más tarde descubrí que tenía una cuenta en Facebook así que lo agregué a mi lista de amigos. Muchas conversaciones fueron las que tuvimos hasta que un día acordamos hacer algo juntos. Esa noche en la galería fue la primera chance que tuvimos de hacerlo. En vez de yo tocar ambas partes de guitarra en “After The Ordeal”, que fue lo que hice para el cover virtual, repartimos el trabajo: él tocó el “lead” de guitarra acústica durante toda la primera parte y yo me limité a la guitarra eléctrica de cierre.

Acerca de Ale:

Ale Sganga fue mi profesor de violín a principios de 2010. Quería tocar música Celta con un instrumento apropiado para ella por primera vez. Le comenté esto a Nico, que también escucha música Celta/irlandesa (otra razón por la que nos llevamos bien desde el principio) durante una temprana reunión este mismo año. Su única recomendación fue Escuela de Música Celta de Buenos Aires. “Ale Sganga es el profesor de violín”, dijo sin más.

Busqué esta escuela de música en Google. Encontré su sitio rápidamente. El correo electrónico personal de Ale se encontraba en la parte de abajo de la página inicial del sitio. Después de intercambiar correos una primera clase privada de violín se concertó. Tomé algunas más después de ésta, una por semana. Creo que fue durante la tercera cuando llevé puesta mi remera de Test For Echo, otra réplica de Carlos de otra tapa de álbum de Rush. Y qué raro, esta otra remera inició una nueva conversación basada en música, tal y como ocurrió con Gervasio menos de dos años atrás. A Ale le hizo comentar que durante su adolescencia estaba metido a pleno en tocar bajo, y que por aquellos días había mucho que decir acerca del bajista de Rush, Geddy Lee, debido a sus grandes habilidades. Esto nos llevó inevitablemente a hablar más acerca de Rock Progresivo en general. King Crimson fue la segunda banda de la que charlamos. Ale tocó el riff de “21st Century Schizoid Man”, aunque yo no conocía la canción para aquel entonces. Pero cuando trajo a cuenta a Yes, lo único que escuché salir de ese violín fue “Soon”, la línea de voz. Ahí mismo supe que tenía ser un cover, sí o sí. Ale ha sido fan de Yes por más de treinta años. Estoy seguro que tocar melodías de sus canciones favoritas en violín es algo instintivo para él. Pero a mí me afectó de una manera muy especial; la sensación se mantuvo dentro desde aquella vez. Algo tenía que hacerse con esta gran canción.

Contacté a Ale meses más tarde, pero ahora lo hice porque quería hacer un cover virtual de

“I Still Haven’t Found What I’m Looking For” de U2, basado en distintas versiones Celtas instrumentales que tenía repartidas en varias compilaciones del género. Lance Reed de Minnesota, Estados Unidos, un percusionista que conocí gracias a uno de sus videos en You Tube, iba a tocar Bodhrán. Mi tarea era agregar las guitarras acústica y eléctrica más un poco de sintetizador y percusión suave. El violín tan esencial estaba en falta. Ya estaba visualizado en el arreglo. No llegué a ser lo suficientemente bueno como para tocarlo yo mismo, y para esos días ya había dejado de tomar clases y practicar en casa. Pero siento que las ganas de tocar “fiddle” están volviendo, poco a poco. Como sea, sólo necesitaba que alguien se encargara del violín en este nuevo proyecto virtual. Ale acordó adicionar la pieza restante.

Ambos sentimos que “I Still Haven’t Found...” funcionaría mejor que “Soon” por alguna razón. Ahora sé que el problema con esta última era la falta de una excusa significativa para presentarla. Cuando Prog at the Gallery se dio y July y Axel entraron en escena, Ale y yo finalmente encontramos lo que estábamos buscando: la gente indicada, y todo bajo las circunstancias correctas. Así es también como Lenny terminó incluyendo esta pieza de Yes para la performance que se venía en octubre.

Prog at the Gallery terminó siendo algo bastante espontáneo, aunque les pueda resultar difícil de creer. Estoy sorprendido ante el hecho de haber sido capaz de juntar cuatro músicos (sin contar a los internacionales que aparecieron proyectados en la pantalla para “Ritual”) en tan poco tiempo. Salió bien. Tuvo la ventaja de haber sido un acto de “teloneros” de Jon Anderson a diez cuadras del teatro en el que el cantante de Yes se presentaría como solista. Ale y yo atendimos ese concierto apenas termináramos con lo nuestro. Personas de la audiencia de Prog at the Gallery también lo hicieron, todos ellos contactos de Facebook. Fue una gran noche, realmente.

Octubre:

Ahora nos quedaba un mes para Lenny en Cendas así que los ensayos para ello continuaron. Como ya sabemos, el asunto “Yes” ya había sido por suerte dejado atrás, pero había algo más a lo que prestarle atención... El evento había sido promocionado con la inclusión de King Crimson en el repertorio. Pero la verdad es que Cristian, Gervasio y yo sólo teníamos treinta segundos del tema principal de “In The Court Of The Crimson King” como outro de “Son Of Mr. Green Genes” de Frank Zappa, lo que era un caso todavía peor que tocar “Ritual” por dos minutos y listo. Afortunadamente la solución ya estaba ahí: “Epitaph”, pero ahora en su versión más rockera, no la acústica que Ale y yo tocamos en la galería. Y lo que es mejor, conecta perfectamente con el guiño a KC ya que este último termina en si mayor, el acorde dominante de mi menor, el cual es el que le da comienzo a “Epitaph”.

Incluso antes de toparnos con este otro problema Gervasio había dicho durante un ensayo que el final de “The Wreckers”, una canción del nuevo álbum de Rush que estábamos probando, podía ser enlazada a “Epitaph”, también sin costuras dado que el final que se me había ocurrido (la versión original de estudio se funde lentamente) era en mi menor. Pero “Epitaph” no era parte del set, ni siquiera Prog at the Gallery se había dado todavía. Por supuesto que en definitiva la arrojamos ahí dentro, aunque nada tuvo que ver con “The Wreckers”. El final de esta canción de Rush fue cambiado después de que la banda iniciara su gira Clockwork Angels. Cristian prefirió el cierre más enérgico, el volver a la intro en re mayor por tres vueltas.   

Y gracias al haber pasado por todo este necesario proceso, la lista ideal vio por fin la luz:

1) Xanadu/Dreamline (Rush/Rush)

2) Caras Galadhon (C)

3) The Battle Of The Pelennor Fields (C)

4) Omega Man (The Police)

5) Future’s Mystery (C)

6) Between Sun & Moon (Rush)

7) Soon (Yes)

8) Ritual/Cosmic Suspension (Yes/C)

9) The Wreckers (Rush)

10) Son Of Mr. Green Genes/In The Court Of The Crimson King/Epitaph (Frank Zappa/King Crimson)

11) All Along The Watchtower (Bob Dylan, versión de The Jimi Hendrix Experience)

Lo que ahora restaba era ensayar estas canciones todos los sábados a la noche hasta que llegara la última el veintisiete de octubre.

Y esa noche llegó...

El set fue como planeado... casi. Ma-rian se dio vuelta mientras la audiencia nos aplaudía después de “Ritual/Cosmic Suspension” para decir que sí iba a hacer su solo de teclado, uno que una semana antes del show dijo que quería incluir después de haber estado trabajando en él por varias semanas. Le dije que de sentirse cómodo con ello era más que bienvenido en hacerlo.

Su composición parece ser de otra dimensión. Es lo que suele ocurrir con lo que compone por su cuenta. Esa fue la vibra que muchos en la audiencia aseguraron haber sentido.

Además del solo de Ma-rian lo otro que no se esperó fue que en vez de saludar como despedida antes de “All Along The Watchtower” tocamos todo de corrido. La gente empezó a pedir un tema más pero ya no quedaba nada... a menos que... ¡”Panacea”! La recordé, por supuesto, de Prog at the Gallery. Era sólo una canción más que ni siquiera requería banda. Entonces hubo un verdadero bis, algo que surgió muy espontáneamente. En la galería siento que la toqué y canté mejor. Hay que tener en cuenta que la había practicado muchísimo para esa primera fecha de 2012. No la toqué más y de repente me encontraba ahí mismo sobre un escenario, enfrentando a una audiencia dispuesta a recibir más música. Fue la canción perfecta para dar el cierre. Incluso alguien gritó “¡Una más de Rush, Claudio!”. Espero que le haya gustado.

Durante la Gallery Night una banda que no se esperaba estaba tocando en uno de los locales en donde se exhibían pinturas. Se detuvieron cuando July prosiguió con “The Clap”. Me vi forzado a sacrificar “Panacea”, el número de apertura, para callarlos ya que era nuestro turno. Tomé a este bis como si la vida quisiera que esta hermosa y pacífica canción de Rush tuviese el protagonismo que siempre mereció tener.

Al ruedo de regreso a casa:

Algo había estado inquietándome desde que se organizó todo esto: ¿Cómo se suponía que volvería a casa después de show? Sabía que lo mejor era hacerlo en bicicleta, pero necesitaba poner todo en orden si quería que así fuese.

La noche del miércoles previo al sábado final llamé a mi amigo Juani para preguntarle si tenía ganas de ser mi acompañante. Me había contado que se estaba preparando para viajar al Noroeste de Argentina, provincia de Salta, en febrero de 2013. Iría en micro, llevando la bicicleta desarmada como si fuese otra pieza más de su equipaje. No era su intención visitar lugares allá si no había ciclismo involucrado. Mi invitación le vino bien, algo así como una excusa para entrenarse para el viaje que le esperaba. Inmediatamente me dio el “sí”. Como así lo hizo, se metió conmigo en la cabina delantera del camión que se alquiló para transportar todo el equipamiento más ambas bicicletas desde casa hasta el teatro una vez éste arribara con perfecta puntualidad aquel sábado.

Después de saludar a todos los que se arrimaron después de dar la presentación y recibir un muy lindo regalo de parte de mi amiga Odalis (mermelada de frutilla hecha con azúcar orgánica) Juani y yo dejamos el edificio. Tuve que asegurarme de que todo estuviese bien guardado y listo antes de permitirme regresar a casa. Mi papá, quien además de haber alquilado el lugar también había alquilado una camioneta para llevar a amigos de Tigre al evento, iba a traer todo el equipamiento de vuelta por medio de este mismo vehículo. Una vez que todo haya sido revisado, Juani, Juampi (responsable por la filmación de la performance de Lenny) y yo, tres amigos todavía juntos desde nuestros días escolares, nos dirigimos a la primera esquina a nuestra derecha en la vereda opuesta para comer algo en la pizzería que allí se encontraba: Zapi. Nunca ingiero alimentos antes de cantar en vivo. No quiero sentirme pesado, por así decirlo. Siempre funciona pero ahora necesitaba reponer energías después de tanto trabajo, ya sea durante el armado de escena como la mismísima performance. Ambas cosas producen desgaste físico.

Al final no pedimos pizza pero sí empanadas de verdura y tarta a la napolitana. Era dos de las alternativas del menú y fue lo que preferimos.

Dos de los cuatro integrantes de Pitagorax Anselmo, una banda de Metal Progresivo de Quilmes, estuvieron presentes en el show. Gastón “Gatex” Bernstein, su tecladista, guitarrista y cantante, es al que conozco de Facebook. Vino con su novia y dos amigos, uno de ellos bajista de Pitagorax: Pablo Chamorro. Cuando Juani, Juampi y yo nos sentamos en una de las mesas sobre la vereda estas personas ya estaban ahí esperando su orden. Tuve una corta conversación con Gastón. Dijo que le gustaría hacer algo juntos en el futuro. Hay muchas cosas que podrían hacerse así que seguramente vamos a unir fuerzas en algún momento.

Alrededor de una hora más tarde ambos grupos dejaron las mesas y comenzaron a caminar hacia el semáforo en el cual se habían encadenado las bicicletas. “No te creí cuando dijiste por el micrófono que iban a volver a Tigre en bicicleta” fue el comentario de Pablo al ver nuestros vehículos no motorizados por sí mismo. Otro comentario que recibí de él, uno que tuvo que ver con música esta vez, fue que le pareció sorpresivo ejecutar “En la Corte...” y de repente cambiar a “Epitaph” de esa manera. En cierta forma, era la idea, similar a lo que pensé en hacer al tocar “Xanadu” (intro solamente) y agregar un sonido de “Olas Permanentes” (el que aparece al final de “Natural Science”) al final del sampler de percusión electrónica de Theo Heidfeld para que Cristian pudiera darle comienzo a “Dreamline” mientras el sonido de olas se fundía.

Ya era hora de que Juani y yo pedaleáramos. Nos despedimos de Juampi, que había venido en auto y ahora tenía que cruzar la calle para alcanzar su vehículo, y de Pitagorax Anselmo. Pablo nos deseó un “bon voyage” de regreso.

No se podría haber pedido una noche mejor: excelente clima, con un viento no muy fuerte sino refrescante. Tal vez dos o tres gotas de agua hayan caído del cielo, pero por suerte nunca llovió.

Capital Federal está repleta de sendas de bicicleta. Nos ayudaron a esquivar el típico tránsito que se puede encontrar en esta área. Aun así los sábados a la noche no son tan congestionados como, por ejemplo, los lunes al mediodía. Aprovechamos todos los senderos de bicicleta en nuestro camino para hacer el mejor de los tiempos posible. Seguirlos hizo que desembocáramos en Avenida del Libertador. Acá es donde giré el torso y le grité a mi compañero, que estaba unos metros más atrás: “¡Ahora ya me siento como en casa!”. Esta es una avenida que cubre alrededor de treinta kilómetros. Se extiende desde Retiro, la estación central de trenes en Capital Federal, hasta San Fernando, justo en el límite con Tigre. Sólo teníamos que pedalearla casi por completo. (Aunque teníamos que alcanzar su punto más lejano y más allá no habíamos sido dirigidos desde la última senda de bicicleta hasta Retiro sino un poco más cerca de Zona Norte, que es la zona en la que Juani y yo residimos, por ende “casi por completo”. Me pareció bien aclarar esto). De todas maneras ambos hemos recorrido esta zona, ya sea individualmente o juntos, muchas veces en el pasado. Sabíamos dónde tomar una calle paralela y más cómoda si nos lo proponíamos.

Juani había montado su cicla junto a Cristian Caceres, otro amigo mutuo y compañero de ruta nuestro en el “Relato del Gran Viaje”, durante la temprana tarde de este mismo sábado, que ya era domingo a esta altura. Estaba, y muy comprensiblemente, un poco cansado y necesitaba un descanso. Nos detuvimos en la plaza principal de San Isidro (Plaza Mitre) a lado de la más grande catedral que haya visto alguna vez. Lo que claramente recuerdo de esta parada fue el comentario de Juani acerca del porqué de mi vuelta en bicicleta en vez de haberme subido a la camioneta alquilada con el resto de las personas que estaban volviendo a Tigre de ese modo. “Ahora estarías ahí, repasando el show con todos una y otra vez, pero no lo estás”. Comprendió, sin tener que explicarle nada, porqué la bicicleta había sido mi elección. Un show es una ocasión en la que se pasa mucho tiempo con gente. Eso es algo que se aprecia mucho, el hecho de que familiares, amigos y contactos de Internet, todos por igual, vengan a disfrutar de la entrega de uno. Después uno recibe su muy bienvenido “feedback” (si es que el show estuvo bien dado y ellos saben apreciarlo). Pero ese lindo momento tiene que detenerse a tiempo, no extenderse mucho. La bicicleta me dio esa sensación de libertad, un escape de ese caudal de comentarios acerca de algo que acababa de ocurrir. Tiempo para sí mismo permite reflexión, y eso también es algo que se valora. Además vale decir que fue un final emblemático, una celebración de todo lo que he estado haciendo durante mucho tiempo, todo en una misma noche.

Volvimos al ruedo pocos minutos más tarde. Tal vez nos haya tomado alrededor de media hora llegar finalmente a nuestra ciudad. Paramos en el primer puente que vimos, el más cercano a la estación de Tigre, para despedirnos. Pero justo antes de tomar caminos separados Juani dijo algo más, muy simple pero lindo y verdadero: “Bueno, todo terminó a la perfección”. Realmente fue así. Se sintió muy bien estar tan cerca de concluir meses y meses (por no decir “años”) de experiencias y rápidamente ver hacia atrás y darse cuenta que todo se dio para bien finalmente.

No me tomó ni cinco minutos llegar a mi casa. Cuando saqué las llaves de la mochila Liu surgió de las sombras para recibirme con su gentil maullido y tierno franeleo entre mis tobillos.